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NOTAS HISTÓRICAS DE LA CULTURA POP EN EL MUNDO
Billboard Magazine
Billboard es una revista semanal estadounidense y una lista especializada en información sobre la industria musical. También es una de las revistas especializadas más antiguas del mundo y mantiene varias listas musicales, reconocidas internacionalmente, en las que se encuentran las canciones y álbumes más populares, clasificados en varias categorías. La lista más famosa, «Billboard Hot 100», clasifica las 100 primeras canciones independientemente del género musical al que pertenezcan, basándose en las ventas físicas, digitales, streaming y emisiones de radio. El «Billboard 200» es un listado de los 200 álbumes musicales más vendidos de los Estados Unidos y Billboard Global 200 es la Lista de Éxitos musicales publicada semanalmente y es la Revista pionera de la industria musical en el mundo.
Fundada en 1894, originalmente informaba sobre acontecimientos circenses, celebraciones de carnaval, ferias, festivales y parques de atracciones, pero la temática musical fue ampliándose hasta tal punto que, en los años cincuenta, los demás temas fueron separados y publicados en una revista independiente.
El 4 de enero de 1936, Billboard publicó el primer ranking musical y el 20 de julio de 1940 publicó su primer listado de popularidad musical («Music Popularity Chart» en inglés).
Desde 1958 ha sido publicada la lista «Hot 100», combinando ventas de sencillos y su rotación en las radioemisoras. Billboard publica más de 100 listas cada semana, siendo las más populares el Hot 100 (para canciones), Billboard 200 (para álbumes) y Social 50 (para artistas).
Fundada en 1894, originalmente informaba sobre acontecimientos circenses, celebraciones de carnaval, ferias, festivales y parques de atracciones, pero la temática musical fue ampliándose hasta tal punto que, en los años cincuenta, los demás temas fueron separados y publicados en una revista independiente.
El 4 de enero de 1936, Billboard publicó el primer ranking musical y el 20 de julio de 1940 publicó su primer listado de popularidad musical («Music Popularity Chart» en inglés).
Desde 1958 ha sido publicada la lista «Hot 100», combinando ventas de sencillos y su rotación en las radioemisoras. Billboard publica más de 100 listas cada semana, siendo las más populares el Hot 100 (para canciones), Billboard 200 (para álbumes) y Social 50 (para artistas).
Primera Canción de Rock
Para la Revista Rolling Stone la primera canción de Rock fue That´s Mama de Elvis Presley de 1954.
Aunque para otros fue Maybellene de Chuck Berry de 1955.
Es considerada, en líneas generales, como la primera canción de rock and roll de la historia, como lo entendemos hoy día por tener más connotación roquera.
Elvis Presley, Bill Halley, Chuck Berry... son varios los cantantes que podrían ostentar este reconocimiento. Nadie da el brazo a torcer en la gestación del género rey, nacido de la mezcla entre swing, country y R&B.
Aunque para otros fue Maybellene de Chuck Berry de 1955.
Es considerada, en líneas generales, como la primera canción de rock and roll de la historia, como lo entendemos hoy día por tener más connotación roquera.
Elvis Presley, Bill Halley, Chuck Berry... son varios los cantantes que podrían ostentar este reconocimiento. Nadie da el brazo a torcer en la gestación del género rey, nacido de la mezcla entre swing, country y R&B.
Top of the Pops
Top of the Pops fue un famoso programa de televisión británico que muestra intérpretes famosos cantando sus temas. La cadena BBC lo emitió desde 1964. Desde finales de la década de 1990 se comenzó a difundir también en otros países europeos.
La estructura de Top of the Pops consiste en una presentación de la clasificación de los álbumes más vendidos de la semana durante la cual se muestran directamente las canciones y a sus artistas en el estudio del programa.
El programa en el Reino Unido sobrepasa el umbral de las 2200 piezas. Tuvo su mejor época en la década de 1990. El 30 de julio de 2006 se puso fin a las emisiones en el país. El programa sobrevivió en forma de una presentación especial de Navidad llamada TOTP2 (Top of the Pops 2).
La estructura de Top of the Pops consiste en una presentación de la clasificación de los álbumes más vendidos de la semana durante la cual se muestran directamente las canciones y a sus artistas en el estudio del programa.
El programa en el Reino Unido sobrepasa el umbral de las 2200 piezas. Tuvo su mejor época en la década de 1990. El 30 de julio de 2006 se puso fin a las emisiones en el país. El programa sobrevivió en forma de una presentación especial de Navidad llamada TOTP2 (Top of the Pops 2).
"Más Populares que Jesús"
«Más populares que Jesús» es parte de un controvertido comentario dicho por el integrante del grupo de rock The Beatles, John Lennon en 1966. Lennon dijo que el cristianismo estaba en decadencia y que los Beatles se habían vuelto más populares que Jesucristo. El comentario no llamó la atención cuando fue dicho originalmente, pero las reacciones de enojo estallaron en las comunidades cristianas cuando el comentario se difundió en los Estados Unidos, cinco meses después.
Lennon había hecho originalmente el comentario en marzo de 1966, durante una entrevista con Maureen Cleave para el periódico británico London Evening Standard, aunque no provocó ninguna reacción pública.
Cuando la revista estadounidense para adolescentes Datebook citó en agosto el comentario de Lennon, estallaron extensas protestas en el sudeste de los Estados Unidos. Los discos de los Beatles se prohibieron en la radio y fueron quemados públicamente, se cancelaron las conferencias de prensa e incluso se amenazó a la banda.
La polémica coincidió con la gira del grupo por Estados Unidos de 1966, y tanto Lennon como Brian Epstein, mánager de la banda, intentaron calmar el conflicto con una serie de conferencias de prensa. Algunos eventos de la gira experimentaron interrupciones e intimidaciones, incluyendo una protesta del Ku Klux Klan. La controversia contribuyó a la falta de interés de los Beatles por brindar espectáculos en vivo, y la gira por Estados Unidos fue la última con la que se comprometieron, después de la cual se convirtieron exclusivamente en una banda de estudio.
Lennon fue consultado sobre la controversia tres años después durante un viaje a Canadá, en 1969. Repitió su opinión de que los Beatles eran más influyentes en los jóvenes que Cristo, agregando que algunos sacerdotes habían manifestado estar de acuerdo con él. Lennon denominó a los manifestantes de los Estados Unidos como «cristianos fascistas», diciendo que él estaba «muy interesado en Cristo. Siempre me lo he imaginado. Él tenía razón». En 1978, le dio las gracias a Jesús por el fin de la gira de los Beatles, diciendo: «si no hubiera dicho eso y no hubiera alterado al muy cristiano Ku Klux Klan, bueno, Señor, yo aún podría estar ahí con todas las demás pulgas escénicas. Dios bendiga a Estados Unidos. Gracias Jesús».
Lennon había hecho originalmente el comentario en marzo de 1966, durante una entrevista con Maureen Cleave para el periódico británico London Evening Standard, aunque no provocó ninguna reacción pública.
Cuando la revista estadounidense para adolescentes Datebook citó en agosto el comentario de Lennon, estallaron extensas protestas en el sudeste de los Estados Unidos. Los discos de los Beatles se prohibieron en la radio y fueron quemados públicamente, se cancelaron las conferencias de prensa e incluso se amenazó a la banda.
La polémica coincidió con la gira del grupo por Estados Unidos de 1966, y tanto Lennon como Brian Epstein, mánager de la banda, intentaron calmar el conflicto con una serie de conferencias de prensa. Algunos eventos de la gira experimentaron interrupciones e intimidaciones, incluyendo una protesta del Ku Klux Klan. La controversia contribuyó a la falta de interés de los Beatles por brindar espectáculos en vivo, y la gira por Estados Unidos fue la última con la que se comprometieron, después de la cual se convirtieron exclusivamente en una banda de estudio.
Lennon fue consultado sobre la controversia tres años después durante un viaje a Canadá, en 1969. Repitió su opinión de que los Beatles eran más influyentes en los jóvenes que Cristo, agregando que algunos sacerdotes habían manifestado estar de acuerdo con él. Lennon denominó a los manifestantes de los Estados Unidos como «cristianos fascistas», diciendo que él estaba «muy interesado en Cristo. Siempre me lo he imaginado. Él tenía razón». En 1978, le dio las gracias a Jesús por el fin de la gira de los Beatles, diciendo: «si no hubiera dicho eso y no hubiera alterado al muy cristiano Ku Klux Klan, bueno, Señor, yo aún podría estar ahí con todas las demás pulgas escénicas. Dios bendiga a Estados Unidos. Gracias Jesús».
Rolling Stone Magazine
Rolling Stone es una revista estadounidense dedicada a la música y la cultura popular. Se edita desde el 9 de noviembre de 1967 y además de su edición estadounidense quincenal, posee ediciones extranjeras mensuales, repartidas en distintos países, con las cuales la revista permite una mirada más local a la música.
Fundada en San Francisco en noviembre de 1967 por el que todavía sigue siendo su editor Jann Wenner y el crítico musical Ralph J. Gleason, la revista se identificó con la contracultura hippie y se alejó de la prensa clandestina de la época con estándares periodísticos más tradicionales y evitando políticas radicales. Rolling Stone dejó huella por reportajes políticos como los del periodista extremo Hunter S. Thompson a principio de los '70. La portada y los artículos principales son ilustrados por fotógrafos de renombre, como Annie Leibovitz.
El éxito de la revista le valió incluso una canción de Dr. Hook & the Medicine show escrita por Shel Silverstein: Cover of the Rolling Stone, todo un hit.
En los años 1980, aunque escritores clásicos de las dos últimas décadas como Lester Bangs seguían junto a Thompson, la revista adoptó valores corporativos que evitaban con anterioridad, como por ejemplo pruebas de drogas a los empleados. Además, la redacción de Rolling Stone pasó a Nueva York para estar más cerca de la industria de la publicidad.
A principios de los 2000 se enfrentó a decadentes ingresos y competencia de revistas como Maxim o FHM, pero Rolling Stone se reinventó tomando posiciones en cuestiones políticas internacionales -la situación de Oriente Medio, el calentamiento global o la economía- y apuntó a lectores más jóvenes.
Iggy Pop, Bono, Tom Wolfe y Ken Kesey escribieron para ella y se empezaron a publicar listados de los más grandes de todos los tiempos.
Cave resaltar que el nombre de la revista no tiene relación con la Banda The Rolling Stones.
Fundada en San Francisco en noviembre de 1967 por el que todavía sigue siendo su editor Jann Wenner y el crítico musical Ralph J. Gleason, la revista se identificó con la contracultura hippie y se alejó de la prensa clandestina de la época con estándares periodísticos más tradicionales y evitando políticas radicales. Rolling Stone dejó huella por reportajes políticos como los del periodista extremo Hunter S. Thompson a principio de los '70. La portada y los artículos principales son ilustrados por fotógrafos de renombre, como Annie Leibovitz.
El éxito de la revista le valió incluso una canción de Dr. Hook & the Medicine show escrita por Shel Silverstein: Cover of the Rolling Stone, todo un hit.
En los años 1980, aunque escritores clásicos de las dos últimas décadas como Lester Bangs seguían junto a Thompson, la revista adoptó valores corporativos que evitaban con anterioridad, como por ejemplo pruebas de drogas a los empleados. Además, la redacción de Rolling Stone pasó a Nueva York para estar más cerca de la industria de la publicidad.
A principios de los 2000 se enfrentó a decadentes ingresos y competencia de revistas como Maxim o FHM, pero Rolling Stone se reinventó tomando posiciones en cuestiones políticas internacionales -la situación de Oriente Medio, el calentamiento global o la economía- y apuntó a lectores más jóvenes.
Iggy Pop, Bono, Tom Wolfe y Ken Kesey escribieron para ella y se empezaron a publicar listados de los más grandes de todos los tiempos.
Cave resaltar que el nombre de la revista no tiene relación con la Banda The Rolling Stones.
Those were the Days
Mary Hopkin es una cantante de música folk británica, nacida el 3 de mayo de 1950 en Pontardawe (Reino Unido).
Those were the Days fue su mayor éxito alcanzando la primera posición en 22 países, la canción llegó a la posición No. 1 en el TOP 40 de Billboard el 11 de noviembre de 1968 y la posición No.2 en el HOT 100 de aquel año. La canción se transformó inmediatamente en un gran éxito y vendió 8 millones de copias y fue traducida a varios idiomas.
Those were the Days es su versión en inglés de un tema original Ruso, la versión de Hopkin fue producida por Paul McCartney de the Beatles, y los arreglos realizados por Richard Hewson.
Actualmente Mary Hopkin tiene 72 años de edad.
Those were the Days fue su mayor éxito alcanzando la primera posición en 22 países, la canción llegó a la posición No. 1 en el TOP 40 de Billboard el 11 de noviembre de 1968 y la posición No.2 en el HOT 100 de aquel año. La canción se transformó inmediatamente en un gran éxito y vendió 8 millones de copias y fue traducida a varios idiomas.
Those were the Days es su versión en inglés de un tema original Ruso, la versión de Hopkin fue producida por Paul McCartney de the Beatles, y los arreglos realizados por Richard Hewson.
Actualmente Mary Hopkin tiene 72 años de edad.
El Club de los 27
El club de los 27, es una expresión utilizada para referirse a músicos, artistas, y actores que fallecieron a la edad de 27 años. A pesar de que un «pico estadístico» para el fallecimiento de músicos a tal edad ha sido desmentido repetidamente por la estadística, sigue tratándose de un fenómeno cultural que documenta la muerte de celebridades, por lo general, relacionándose con su arriesgado estilo de vida. Debido a que el club es completamente nocional, no hay miembros oficiales.
El club de los 27 incluye a un extenso grupo de músicos populares, artistas, actores y atletas que fallecieron a la edad de 27 años, a menudo como resultado del abuso de alcohol y drogas o causas violentas tales como homicidios, suicidio o accidentes relacionados con el transporte. La muerte de varios músicos a los 27 entre 1969 y 1971 llevó a la creencia popular de que el fallecimiento de los mismos era más común a esa edad. Estudios estadísticos han fallado en encontrar cualquier clase de patrón inusual en la muerte de músicos a esta edad, comparándolo con leves incrementos a las edades de 25 y 32, con un estudio de la The BMJ en 2011 comentando en cambio que los músicos en la adultez temprana poseen un índice de mortalidad superior al resto de la población de adultos jóvenes, concluyendo:
"La fama puede incrementar el riesgo de muerte entre músicos, pero este riesgo no esta limitado a la edad de 27".
El "club" ha sido citado en repetidas ocasiones por revistas, periódicos y diversos medios de comunicación. Varias exposiciones se han dedicado al concepto, así como novelas, películas y presentaciones.
Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin y Jim Morrison morirían a la edad de 27 años entre 1969 y 1971, en un periodo de exactamente dos años, debido a la fecha de fallecimiento de Jones (3 de julio de 1969) y Morrison (3 de julio de 1971). En la época, el público en general no establecería ninguna conexión entre la coincidencia de edades. Esta misma se mencionaría de vez en cuando, pero no pasaría a más que comentarios aislados. No sería sino hasta la muerte de Kurt Cobain en 1994, casi dos décadas y media después de las demás, que la idea de "el club de los 27" empezaría a captar la atención del ojo público.
Principales Miembros:
Brian Jones nació el 28 de febrero de 1942 y falleció el 3 de julio de 1969, ahogado en una piscina, en circunstancias desconocidas, guitarrista y multi-instrumentista de la banda de rock The Rolling Stones.
Jimi Hendrix nació el 27 de noviembre de 1942 y falleció el 18 de septiembre de 1970, asfixiado con su propio vómito tras intoxicarse con múltiples sustancias, guitarrista, cantante y compositor de rock.
Janis Joplin nació el 19 de enero de 1943 y falleció el 4 de octubre de 1970 por sobredosis de heroína, cantante y compositora de diversas bandas de rock y blues.
Jim Morrison nació 8 de diciembre de 1943 y falleció el 3 de julio de 1971 por insuficiencia cardíaca, en circunstancias desconocidas, cantante y compositor de la banda de rock The Doors.
Kurt Cobain nació el 20 de febrero de 1967y falleció el 5 de abril de 1994, se suicidio por arma de fuego bajo los efectos de la heroína, cantante, guitarrista y compositor de la banda de grunge Nirvana.
Existe una larga lista de músicos que fallecieron a la edad de 27 entre 1892 y 2020, sin embargo la lista anteriormente mencionada son considerados como los principales o más relevantes.
El club de los 27 incluye a un extenso grupo de músicos populares, artistas, actores y atletas que fallecieron a la edad de 27 años, a menudo como resultado del abuso de alcohol y drogas o causas violentas tales como homicidios, suicidio o accidentes relacionados con el transporte. La muerte de varios músicos a los 27 entre 1969 y 1971 llevó a la creencia popular de que el fallecimiento de los mismos era más común a esa edad. Estudios estadísticos han fallado en encontrar cualquier clase de patrón inusual en la muerte de músicos a esta edad, comparándolo con leves incrementos a las edades de 25 y 32, con un estudio de la The BMJ en 2011 comentando en cambio que los músicos en la adultez temprana poseen un índice de mortalidad superior al resto de la población de adultos jóvenes, concluyendo:
"La fama puede incrementar el riesgo de muerte entre músicos, pero este riesgo no esta limitado a la edad de 27".
El "club" ha sido citado en repetidas ocasiones por revistas, periódicos y diversos medios de comunicación. Varias exposiciones se han dedicado al concepto, así como novelas, películas y presentaciones.
Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin y Jim Morrison morirían a la edad de 27 años entre 1969 y 1971, en un periodo de exactamente dos años, debido a la fecha de fallecimiento de Jones (3 de julio de 1969) y Morrison (3 de julio de 1971). En la época, el público en general no establecería ninguna conexión entre la coincidencia de edades. Esta misma se mencionaría de vez en cuando, pero no pasaría a más que comentarios aislados. No sería sino hasta la muerte de Kurt Cobain en 1994, casi dos décadas y media después de las demás, que la idea de "el club de los 27" empezaría a captar la atención del ojo público.
Principales Miembros:
Brian Jones nació el 28 de febrero de 1942 y falleció el 3 de julio de 1969, ahogado en una piscina, en circunstancias desconocidas, guitarrista y multi-instrumentista de la banda de rock The Rolling Stones.
Jimi Hendrix nació el 27 de noviembre de 1942 y falleció el 18 de septiembre de 1970, asfixiado con su propio vómito tras intoxicarse con múltiples sustancias, guitarrista, cantante y compositor de rock.
Janis Joplin nació el 19 de enero de 1943 y falleció el 4 de octubre de 1970 por sobredosis de heroína, cantante y compositora de diversas bandas de rock y blues.
Jim Morrison nació 8 de diciembre de 1943 y falleció el 3 de julio de 1971 por insuficiencia cardíaca, en circunstancias desconocidas, cantante y compositor de la banda de rock The Doors.
Kurt Cobain nació el 20 de febrero de 1967y falleció el 5 de abril de 1994, se suicidio por arma de fuego bajo los efectos de la heroína, cantante, guitarrista y compositor de la banda de grunge Nirvana.
Existe una larga lista de músicos que fallecieron a la edad de 27 entre 1892 y 2020, sin embargo la lista anteriormente mencionada son considerados como los principales o más relevantes.
Siempre en Domingo
Siempre en domingo fue un programa de televisión mexicano de variedades musicales que se transmitía a través del Canal 2 (Canal de las Estrellas) de Televisa, en vivo desde la ciudad de México. Se estrenó el 14 de diciembre de 1969 transmitiéndose por el Canal 4 por convencimiento directo de Emilio Azcárraga Milmo, quien meses antes invita a Raúl Velasco a integrarse a las filas de Telesistema Mexicano (hoy Televisa). Pasaron cinco semanas después de su estreno, para que Siempre en domingo pasara a las transmisiones semanales del Canal 2 donde cobró gran relevancia, al grado de que semanalmente alcanzó niveles de audiencia superiores a los 350 millones de espectadores en México, América y Europa.
Esto en cadena nacional, posteriormente se firmaron acuerdos con televisoras de otras partes del mundo como Centro y Sudamérica así como parte de Europa quienes recibían la emisión simultánea del programa en sus países, en vivo y en directo según el escenario donde se realizase el programa.
Su éxito fue tal que se realizó un adaptación española Siempre en domingo producida por Televisión Española.
Esto en cadena nacional, posteriormente se firmaron acuerdos con televisoras de otras partes del mundo como Centro y Sudamérica así como parte de Europa quienes recibían la emisión simultánea del programa en sus países, en vivo y en directo según el escenario donde se realizase el programa.
Su éxito fue tal que se realizó un adaptación española Siempre en domingo producida por Televisión Española.
Casey Kasem
Casey Kasem, fue un locutor de la radio estadounidense de ascendencia palestino-libanesa. Hasta su muerte presentó dos programas semanales, American Top 20 with Casey Kasem y American Top 10 con Casey Kasem. American Top 20 es un conteo de los 20 éxitos Adulto Contemporáneo de la semana. American Top 10 está más relacionado con música suave adulto contemporánea.
Kasem recordado como el presentador del programa semanal de radio American Top 40 estrenado el 4 de julio de 1970 hasta 1988, y después desde 1998 hasta 2004, cuando Ryan Seacrest le reemplazó.
Desde enero de 1989 hasta marzo de 1998 fue el presentador del Casey's Top 40 que competía con su antiguo programa, American Top 40, que por entonces lo presentaba Shadoe Stevens.
Kasem nació el 27 de abril de 1932 y falleció el 15 de junio del 2014 a los 82 años de edad, a causa de la demencia de cuerpos de Lewy, la cual es una enfermedad neurodegenerativa.
Kasem recordado como el presentador del programa semanal de radio American Top 40 estrenado el 4 de julio de 1970 hasta 1988, y después desde 1998 hasta 2004, cuando Ryan Seacrest le reemplazó.
Desde enero de 1989 hasta marzo de 1998 fue el presentador del Casey's Top 40 que competía con su antiguo programa, American Top 40, que por entonces lo presentaba Shadoe Stevens.
Kasem nació el 27 de abril de 1932 y falleció el 15 de junio del 2014 a los 82 años de edad, a causa de la demencia de cuerpos de Lewy, la cual es una enfermedad neurodegenerativa.
Ed Sullivan
The Ed Sullivan Show fue un programa de televisión de los Estados Unidos que se emitió desde el 20 de junio de 1948 hasta el 6 de junio de 1971, conducido por Ed Sullivan. Se emitía por CBS los domingos a las 8 pm en vivo desde Nueva York. Virtualmente todos los géneros del espectáculo tuvieron lugar en el programa: cantantes de ópera, estrellas de rock, comediantes, bailarines de ballet eran presentados regularmente.
El nombre original del programa era Toast of the Town, pero como se le conocía como The Ed Sullivan Show, a partir de la temporada de 1955 tomó este último como nombre oficial.
El último programa de The Ed Sullivan Show se emitió el 28 de marzo de 1971.
En diciembre de 1963, Brian Epstein, mánager de los Beatles, consiguió que el grupo, para entonces bastante desconocido en Estados Unidos, realizara tres actuaciones en el programa. Los Beatles actuaron en tres programas consecutivos en febrero de 1964, el primero de ellos el 9 de febrero con una audiencia estimada de 73 millones de espectadores, siendo el programa más visto en TV de la Historia hasta ese momento y luego superado por el Concierto de 1985 Live Aid.
El nombre original del programa era Toast of the Town, pero como se le conocía como The Ed Sullivan Show, a partir de la temporada de 1955 tomó este último como nombre oficial.
El último programa de The Ed Sullivan Show se emitió el 28 de marzo de 1971.
En diciembre de 1963, Brian Epstein, mánager de los Beatles, consiguió que el grupo, para entonces bastante desconocido en Estados Unidos, realizara tres actuaciones en el programa. Los Beatles actuaron en tres programas consecutivos en febrero de 1964, el primero de ellos el 9 de febrero con una audiencia estimada de 73 millones de espectadores, siendo el programa más visto en TV de la Historia hasta ese momento y luego superado por el Concierto de 1985 Live Aid.
Soul Train
Soul Train fue un programa de televisión de variedades musicales estadounidense, que se emitió en redifusión desde 1971 hasta 2006.
En sus 35 años de historia, el programa contó con actuaciones de artistas principalmente de R&B, R&B contemporáneo, soul y hip hop, aunque artistas de funk, jazz, disco y gospel también aparecieron. La serie fue creada por Don Cornelius, que también sirvió como su primer presentador y productor ejecutivo.
Soul Train se estrenó el 2 de Octubre de 1971, con un show en vivo a transmitirse por la tarde entre semana. El primer episodio del programa contó como invitados el cantante Jerry Butler y dos grupos, los Chi-Lites y las Emotions. Cornelius fue asistido por Clinton Ghent, una bailarina profesional local que apareció en los primeros episodios antes de pasar detrás del escenario como productora y conductora secundaria.
En sus 35 años de historia, el programa contó con actuaciones de artistas principalmente de R&B, R&B contemporáneo, soul y hip hop, aunque artistas de funk, jazz, disco y gospel también aparecieron. La serie fue creada por Don Cornelius, que también sirvió como su primer presentador y productor ejecutivo.
Soul Train se estrenó el 2 de Octubre de 1971, con un show en vivo a transmitirse por la tarde entre semana. El primer episodio del programa contó como invitados el cantante Jerry Butler y dos grupos, los Chi-Lites y las Emotions. Cornelius fue asistido por Clinton Ghent, una bailarina profesional local que apareció en los primeros episodios antes de pasar detrás del escenario como productora y conductora secundaria.
The Midnight Special
The Midnight Special fue un programa musical de televisión que se emitió originalmente por la cadena NBC durante los años 1970 y principios de la década de 1980, creado y producido por Burt Sugarman. Tuvo su estreno a modo de especial el 19 de agosto de 1972 y comenzó su transmisión como serie regular el 2 de febrero de 1973.
Su último episodio fue transmitido el 1 de mayo de 1981. El programa de 90 minutos reemplazó a la edición del viernes por la noche de The Tonight Show Starring Johnny Carson.
The Midnight Special se destacaba por presentar actos musicales en vivo, lo cual era inusual ya que la mayoría de las apariciones televisivas de la época los intérpretes se sincronizaban con la música pregrabada.
El programa era presentado por Wolfman Jack quien se desempeñó como locutor y anfitrión frecuente, quien además era un DJ reconocido, famoso por su voz grave, él mismo se refería a su éxito diciendo: "Un par de tragos de whisky me ayudan a tener este agradable sonido rasposo."
Trabajó en una gran cantidad de programas radiales y fue conductor del programa de televisión musical The Midnight Special de Burt Sugarman.
Su último episodio fue transmitido el 1 de mayo de 1981. El programa de 90 minutos reemplazó a la edición del viernes por la noche de The Tonight Show Starring Johnny Carson.
The Midnight Special se destacaba por presentar actos musicales en vivo, lo cual era inusual ya que la mayoría de las apariciones televisivas de la época los intérpretes se sincronizaban con la música pregrabada.
El programa era presentado por Wolfman Jack quien se desempeñó como locutor y anfitrión frecuente, quien además era un DJ reconocido, famoso por su voz grave, él mismo se refería a su éxito diciendo: "Un par de tragos de whisky me ayudan a tener este agradable sonido rasposo."
Trabajó en una gran cantidad de programas radiales y fue conductor del programa de televisión musical The Midnight Special de Burt Sugarman.
Studio 54
Bajo el nombre de Studio 54 el teatro convertido en discoteca abrió sus puertas el 26 de abril de 1977.
Studio 54 fue gestionado por el empresario estadounidense Steve Rubell, un personaje llamativo y abiertamente homosexual, y su amigo y socio Ian Schrager, empresario de bajo perfil.8 Juntos habían dirigido otro local en la zona de Queens y fue Carmen D'Alessio, relacionista pública del modisto Valentino, quien les sugirió «dar el salto a Manhattan» abriendo un club para los círculos más chic de la ciudad. Ella les puso en contacto con Andy Warhol, quien acudiría a la cena preinaugural, al igual que Calvin Klein.
Carmen D'Alessio contaba con valiosos contactos entre la jet-set europea y americana, y para la inauguración del local remitió invitaciones por correo a 5000 personas elegidas de sus listas de amigos y conocidos ilustres.
Studio 54 fue gestionado por el empresario estadounidense Steve Rubell, un personaje llamativo y abiertamente homosexual, y su amigo y socio Ian Schrager, empresario de bajo perfil.8 Juntos habían dirigido otro local en la zona de Queens y fue Carmen D'Alessio, relacionista pública del modisto Valentino, quien les sugirió «dar el salto a Manhattan» abriendo un club para los círculos más chic de la ciudad. Ella les puso en contacto con Andy Warhol, quien acudiría a la cena preinaugural, al igual que Calvin Klein.
Carmen D'Alessio contaba con valiosos contactos entre la jet-set europea y americana, y para la inauguración del local remitió invitaciones por correo a 5000 personas elegidas de sus listas de amigos y conocidos ilustres.
300 Millones
300 millones fue un programa de Televisión Española, dirigido por Gustavo Pérez Puig y realizado por Pedro Amalio López, Enrique Martí Maqueday y Jorge Horacio Fernández, que se emitió entre 1977 y 1983.
Se trataba de un programa de variedades con actuaciones musicales, entrevistas, reportajes y concursos. La particularidad, y de ahí el nombre del programa, es que se emitía para todos los países miembros de la Organización de Telecomunicaciones Iberoamericanas (OTI) vía satélite, desde Estados Unidos a Chile, además de Guinea Ecuatorial en África.
A lo largo de los años, contó con numerosos presentadores, pudiendo mencionarse a Jana Escribano (1977), Ricardo Fernández Deu (1977), Ladislao Azcona (1977), Guadalupe Enríquez (1977-1983), Tico Medina (1978-1983), Paca Gabaldón (1977-1978), José Antonio Plaza (1978), Alfredo Amestoy (1977-1981), Kiko Ledgard (1978-1979), Marisa Abad (1979), Pepe Domingo Castaño (1979-1983), Lola Martínez (1981-1982) y Cristina García Ramos (1982).
Se trataba de un programa de variedades con actuaciones musicales, entrevistas, reportajes y concursos. La particularidad, y de ahí el nombre del programa, es que se emitía para todos los países miembros de la Organización de Telecomunicaciones Iberoamericanas (OTI) vía satélite, desde Estados Unidos a Chile, además de Guinea Ecuatorial en África.
A lo largo de los años, contó con numerosos presentadores, pudiendo mencionarse a Jana Escribano (1977), Ricardo Fernández Deu (1977), Ladislao Azcona (1977), Guadalupe Enríquez (1977-1983), Tico Medina (1978-1983), Paca Gabaldón (1977-1978), José Antonio Plaza (1978), Alfredo Amestoy (1977-1981), Kiko Ledgard (1978-1979), Marisa Abad (1979), Pepe Domingo Castaño (1979-1983), Lola Martínez (1981-1982) y Cristina García Ramos (1982).
Saturday Night Fever
Saturday Night Fever es una película musical estadounidense de 1977, dirigida por John Badham y protagonizada por John Travolta y Karen Lynn Gorney en los papeles principales.
El guion está basado en un artículo redactado por el escritor londinense Nik Cohn, publicado el año anterior en la revista New York titulado "Ritos tribales del nuevo sábado en la noche".
Estrenada en EEUU el 14 de Diciembre de 1977.
El guion está basado en un artículo redactado por el escritor londinense Nik Cohn, publicado el año anterior en la revista New York titulado "Ritos tribales del nuevo sábado en la noche".
Estrenada en EEUU el 14 de Diciembre de 1977.
Disco Demolition Night
Las diferencias entre los amantes del rock y los seguidores de la música disco ha quedado plasmadas en películas y libros. El punto álgido de esa rivalidad tuvo lugar en Chicago, cuando varios presentadores de programas de radio convocaron una quedada en el estadio de béisbol para quemar discos. La noche acabó en disturbios, seis heridos y cuarenta detenidos, cuando los espectadores invadieron el terreno de juego, aquella noche sería conocida como Disco Demolition Night.
Buena parte de culpa de lo sucedido aquella noche la tuvo Steve Dahl, presentador de radio de una emisora de Chicago. Dahl fue despedido de su trabajo cuando la emisora decidió dejar de programar rock para dedicarse a la música disco. El periodista entró a trabajar en una nueva emisora y desde ella se dedicó a criticar la música de baile y a encender las rivalidades entre los seguidores de una y otra música. Finalmente convocaron un evento para aquella noche de julio. Todo el que llevase un álbum de música disco al estadio de los White Sox pagaría únicamente 0,98 dólares por su entrada, aquel era el dial de la emisora que promovió el evento. Durante el descanso se procedería a la quema de los discos.
La convocatoria fue un éxito. El aforo habitual para un partido entre semana rondaba los 15.000 asistentes en un estadio con una capacidad para 52.000 personas. Aquella noche cerca de 90.000 personas intentaron acceder al estadio. Llegó un momento que se dejaron de recoger discos para la quema y la gente comenzó a lanzarlos desde las gradas. Cuando comenzó la quema miles de personas saltaron al terreno de juego comenzando sus propias fogatas. Los antidisturbios tuvieron que actuar y el caos se apoderó del estadio en una de las noches más negras del béisbol.
Aquel capítulo conmocionaría al país. La música se había convertido en un motivo de enfrentamiento en una reacción semejante a la que llevó a miles de jóvenes conservadores a quemar los discos de los Beatles después de que John Lennon dijese en una entrevista que la banda de Liverpool era más famosa que Jesús.
Buena parte de culpa de lo sucedido aquella noche la tuvo Steve Dahl, presentador de radio de una emisora de Chicago. Dahl fue despedido de su trabajo cuando la emisora decidió dejar de programar rock para dedicarse a la música disco. El periodista entró a trabajar en una nueva emisora y desde ella se dedicó a criticar la música de baile y a encender las rivalidades entre los seguidores de una y otra música. Finalmente convocaron un evento para aquella noche de julio. Todo el que llevase un álbum de música disco al estadio de los White Sox pagaría únicamente 0,98 dólares por su entrada, aquel era el dial de la emisora que promovió el evento. Durante el descanso se procedería a la quema de los discos.
La convocatoria fue un éxito. El aforo habitual para un partido entre semana rondaba los 15.000 asistentes en un estadio con una capacidad para 52.000 personas. Aquella noche cerca de 90.000 personas intentaron acceder al estadio. Llegó un momento que se dejaron de recoger discos para la quema y la gente comenzó a lanzarlos desde las gradas. Cuando comenzó la quema miles de personas saltaron al terreno de juego comenzando sus propias fogatas. Los antidisturbios tuvieron que actuar y el caos se apoderó del estadio en una de las noches más negras del béisbol.
Aquel capítulo conmocionaría al país. La música se había convertido en un motivo de enfrentamiento en una reacción semejante a la que llevó a miles de jóvenes conservadores a quemar los discos de los Beatles después de que John Lennon dijese en una entrevista que la banda de Liverpool era más famosa que Jesús.
Guitar World
Guitar World es una revista que elabora artículos relacionados con el género de música rock.
La revista debutó en julio de 1980 con Johnny Winter en la portada. En sus 38 años de historia, Guitar World ha publicado entrevistas de algunos de los guitarristas más influyentes del rock, incluyendo a Alex Lifeson, Ritchie Blackmore, Jeff Beck, Brian May, Arthur Rhames, John Frusciante, Steve Morse, Robert Ward, Richie Sambora, Jimmy Page, David Gilmour, Eric Clapton, Joe Satriani, Steve Vai, Yngwie Malmsteen, Tony Iommi y Eddie Van Halen quién ha aparecido en la portada 16 veces, y dos veces en la revista afiliada Guitar Legends.
Ha realizado muchas publicaciones de referencia que inclusive aquí en Retro Magazine publicamos como la lista de los 100 mejores solos de guitarra de todos los tiempos.
Anteriormente era propiedad de Harris Publications; Future US compró la revista en 2003.
La revista debutó en julio de 1980 con Johnny Winter en la portada. En sus 38 años de historia, Guitar World ha publicado entrevistas de algunos de los guitarristas más influyentes del rock, incluyendo a Alex Lifeson, Ritchie Blackmore, Jeff Beck, Brian May, Arthur Rhames, John Frusciante, Steve Morse, Robert Ward, Richie Sambora, Jimmy Page, David Gilmour, Eric Clapton, Joe Satriani, Steve Vai, Yngwie Malmsteen, Tony Iommi y Eddie Van Halen quién ha aparecido en la portada 16 veces, y dos veces en la revista afiliada Guitar Legends.
Ha realizado muchas publicaciones de referencia que inclusive aquí en Retro Magazine publicamos como la lista de los 100 mejores solos de guitarra de todos los tiempos.
Anteriormente era propiedad de Harris Publications; Future US compró la revista en 2003.
Asesinato de John Lenon
El asesinato de John Lennon se produjo el lunes 8 de diciembre de 1980. Su muerte fue causada por cinco disparos, de los cuales cuatro le acertaron a Lennon, realizados por Mark David Chapman, según la justicia neoyorquina (y por el mismo Chapman), a la entrada del edificio Dakota, donde Lennon residía, cuando éste regresaba con su esposa Yoko Ono de la sucursal local de los estudios de grabación Record Plant.
Lennon fue un influyente músico británico inglés de rock que adquirió fama mundial por haber sido uno de los miembros fundadores de la banda The Beatles, fama que se fue incrementando gracias a su carrera como solista y su labor como activista político en contra de las guerras. Fue declarado muerto a su llegada al St. Luke's-Roosevelt Hospital Center, donde el personal señaló que nadie podría haber vivido más de unos pocos minutos con tales lesiones, pues Lennon había perdido cerca del 80 % de su volumen sanguíneo. Poco después se reportó la muerte del músico a las emisoras locales de noticias, lo que llevó a que se congregara una enorme multitud tanto en las afueras del hospital como frente a su domicilio.
Fue cremado el 10 de diciembre en el cementerio Ferncliff de Hartsdale, Nueva York; las cenizas fueron entregadas a Ono, quien decidió no organizar un funeral, aunque se hicieron varios homenajes y tributos en su honor. Chapman, por su parte, fue condenado a cadena perpetua y ha permanecido encarcelado desde entonces tras varias campañas en contra de su liberación; al menos hasta 2020, se le ha negado la libertad condicional once veces desde que fue elegible para ella en el año 2000.
Lennon fue un influyente músico británico inglés de rock que adquirió fama mundial por haber sido uno de los miembros fundadores de la banda The Beatles, fama que se fue incrementando gracias a su carrera como solista y su labor como activista político en contra de las guerras. Fue declarado muerto a su llegada al St. Luke's-Roosevelt Hospital Center, donde el personal señaló que nadie podría haber vivido más de unos pocos minutos con tales lesiones, pues Lennon había perdido cerca del 80 % de su volumen sanguíneo. Poco después se reportó la muerte del músico a las emisoras locales de noticias, lo que llevó a que se congregara una enorme multitud tanto en las afueras del hospital como frente a su domicilio.
Fue cremado el 10 de diciembre en el cementerio Ferncliff de Hartsdale, Nueva York; las cenizas fueron entregadas a Ono, quien decidió no organizar un funeral, aunque se hicieron varios homenajes y tributos en su honor. Chapman, por su parte, fue condenado a cadena perpetua y ha permanecido encarcelado desde entonces tras varias campañas en contra de su liberación; al menos hasta 2020, se le ha negado la libertad condicional once veces desde que fue elegible para ella en el año 2000.
Music Television
MTV inició transmisiones el 1 de agosto de 1981 con un vídeo de la banda The Buggles, Video Killed The Radio Star; el segundo vídeo mostrado fue el de Pat Benatar, You better run.
“Damas y caballeros, rock n’ roll” “Esto es, bienvenidos a MTV, Music Television, el primer canal de música y videos 24 horas del mundo” fueran las primeras palabras emitidas.
En los 80, MTV se vio obligada a emitir vídeos de artistas de raza negra, ya que en sus inicios, solo emitía vídeos de artistas blancos. Esto, debido a la gran cantidad de solicitudes que las personas hacían para ver los vídeos de Michael Jackson. En sus inicios había espacio para todo tipo de géneros ya que lo que importaba era lo que la audiencia quería ver y escuchar.
Durante todos estos años, MTV ha impulsado la carrera y la venta de discos de muchos artistas globales, que hoy son reconocidos mundialmente, tales como: Michael Jackson, Madonna, Britney Spears, Eminem, Lady Gaga, Christina Aguilera, Shakira, Justin Timberlake, Jessica Simpson, Beyonce, Janet Jackson, Kylie Minogue, Pink, entre otros. Esto debido a que MTV promociona y reproduce sus videos musicales en todo el mundo, de acuerdo al nivel del artista (si es un artista global o solo de un sector del mundo).
En sus inicios fue creado por el empresario y productor musical Robert W. Pittman como un canal dedicado a vídeos musicales, lo que supuso un nuevo concepto para la televisión. Gracias a este formato los espectadores podían ver y ponerle cara a los artistas, lo que suponía un gran cambio frente a la radio. Esto también propició la evolución del videoclip. Con la popularidad de MTV comenzó una revolución en la industria musical, donde ya no solo se le daba un gran impulso a la música, sino que también se creaban nuevas estrellas y se daba popularidad a la gente que salía en el canal, los VJ o Videojockeys.
Los presentadores en 1981 fueron: Alan, Hunter, J.J. Jackson, Mark Goodman, Martha Quinn y Nina Blackwood... "lo mejor de la TV, combinado con lo mejor de la radio" de la época en USA.
“Damas y caballeros, rock n’ roll” “Esto es, bienvenidos a MTV, Music Television, el primer canal de música y videos 24 horas del mundo” fueran las primeras palabras emitidas.
En los 80, MTV se vio obligada a emitir vídeos de artistas de raza negra, ya que en sus inicios, solo emitía vídeos de artistas blancos. Esto, debido a la gran cantidad de solicitudes que las personas hacían para ver los vídeos de Michael Jackson. En sus inicios había espacio para todo tipo de géneros ya que lo que importaba era lo que la audiencia quería ver y escuchar.
Durante todos estos años, MTV ha impulsado la carrera y la venta de discos de muchos artistas globales, que hoy son reconocidos mundialmente, tales como: Michael Jackson, Madonna, Britney Spears, Eminem, Lady Gaga, Christina Aguilera, Shakira, Justin Timberlake, Jessica Simpson, Beyonce, Janet Jackson, Kylie Minogue, Pink, entre otros. Esto debido a que MTV promociona y reproduce sus videos musicales en todo el mundo, de acuerdo al nivel del artista (si es un artista global o solo de un sector del mundo).
En sus inicios fue creado por el empresario y productor musical Robert W. Pittman como un canal dedicado a vídeos musicales, lo que supuso un nuevo concepto para la televisión. Gracias a este formato los espectadores podían ver y ponerle cara a los artistas, lo que suponía un gran cambio frente a la radio. Esto también propició la evolución del videoclip. Con la popularidad de MTV comenzó una revolución en la industria musical, donde ya no solo se le daba un gran impulso a la música, sino que también se creaban nuevas estrellas y se daba popularidad a la gente que salía en el canal, los VJ o Videojockeys.
Los presentadores en 1981 fueron: Alan, Hunter, J.J. Jackson, Mark Goodman, Martha Quinn y Nina Blackwood... "lo mejor de la TV, combinado con lo mejor de la radio" de la época en USA.
La Canción más Famosa de M.Jackson
Ni Billie Jean ni Thriller, la canción del Rey del Pop que más éxito tuvo en las listas de ventas de Estados Unidos fue un dueto con Paul McCartney publicado en 1983 que aguantó más semanas en el ránking que cualquier otro tema de su discografía.
Lejos de lo que muchos pudieran pensar, el mayor éxito de Michael Jackson no fue Thriller, ni Billie Jean, sino un tema de 1983 compuesto a dúo con el ex Beatle Paul McCartney, 'Say Say Say'.
El tema se lanzó el 3 de octubre de 1983, y fue incluido en el álbum Pipes of Peace de McCartney que se mantuvo seis semanas en el número uno de ventas en Estados Unidos y un total de 18 semanas en el 'top 40' del ránking de la revista Billboard.
Luego de su salida a la venta, se volvió el séptimo éxito de Jackson en lo que iba de año, con lo que batió la marca que hasta entonces poseían The Beatles y Elvis Presley. Lideró las listas musicales de Estados Unidos, España, Canadá, Noruega y Suecia, por ejemplo, alcanzó el número dos en Reino Unido y entró entre los diez primeros en Australia, Austria, Nueva Zelanda, Holanda y Suiza. Permaneció en lo más alto del Billboard Hot 100 por seis semanas y se convirtió en la canción de Jackson con mayor permanencia en las listas. De igual manera, recibió la certificación de disco de platino por la RIAA y la por entonces CRIA, así como la de oro por el SENP y la de plata por la BPI.
Lejos de lo que muchos pudieran pensar, el mayor éxito de Michael Jackson no fue Thriller, ni Billie Jean, sino un tema de 1983 compuesto a dúo con el ex Beatle Paul McCartney, 'Say Say Say'.
El tema se lanzó el 3 de octubre de 1983, y fue incluido en el álbum Pipes of Peace de McCartney que se mantuvo seis semanas en el número uno de ventas en Estados Unidos y un total de 18 semanas en el 'top 40' del ránking de la revista Billboard.
Luego de su salida a la venta, se volvió el séptimo éxito de Jackson en lo que iba de año, con lo que batió la marca que hasta entonces poseían The Beatles y Elvis Presley. Lideró las listas musicales de Estados Unidos, España, Canadá, Noruega y Suecia, por ejemplo, alcanzó el número dos en Reino Unido y entró entre los diez primeros en Australia, Austria, Nueva Zelanda, Holanda y Suiza. Permaneció en lo más alto del Billboard Hot 100 por seis semanas y se convirtió en la canción de Jackson con mayor permanencia en las listas. De igual manera, recibió la certificación de disco de platino por la RIAA y la por entonces CRIA, así como la de oro por el SENP y la de plata por la BPI.
Album True Blue
True Blue es el tercer álbum de estudio de la cantante estadounidense Madonna, publicado el 30 de junio de 1986 por la compañía discográfica Sire Records. Para su grabación, la cantante trabajó en conjunto con Stephen Bray y Patrick Leonard, además de haber participado en la composición y producción de todas las pistas del álbum. Referido como su obra más femenina, True Blue mostró sus conceptos del amor, el trabajo, los sueños, así como el de las decepciones, y fue inspirado por su entonces esposo Sean Penn, a quien Madonna le llegó a dedicar el álbum. Las canciones tomaron una dirección diferente a la que fueron sus trabajos previos, ya que incorporó elementos de música clásica dentro de su habitual género dance pop con el fin de que pudiese atraer un público más maduro que se mantenía escéptico ante su obra.
La instrumentación del álbum incluye sonidos de guitarras acústicas, baterías, sintetizadores e instrumentos musicales típicos de Cuba. Las pistas abarcan letras que van desde el amor hasta la libertad, y en el caso de «Papa Don't Preach», problemas sociales como el embarazo adolescente.67 Luego de su lanzamiento, True Blue recibió reseñas generalmente positivas por parte de críticos musicales, quienes lo describieron como lo mejor del dance pop y como un arquetipo para los álbumes publicados a finales de los años 1980 y principios de los de 1990. También elogiaron el hecho de que la voz de Madonna sonara más fuerte que en sus trabajos anteriores, al tiempo que destacaron sus habilidades como compositora, cantante y artista.
Tras su publicación, True Blue se convirtió en un éxito mundial, pues alcanzó el número uno en un récord de 28 países, entre ellos Alemania, Australia, Canadá, España, Estados Unidos, Francia, Italia y Reino Unido. Además, pasó 29 semanas consecutivas en la cima de la lista European Top 100 Albums, más de lo que cualquier otro álbum ha logrado. Se convirtió en el disco más vendido de 1986 y en el más comercializado en la década de 1980 por una mujer, y permanece como uno de los más vendidos en la historia, con ventas que sobrepasan las 25 millones de copias. Los cinco sencillos obtenidos del álbum entraron a las primeras cinco posiciones del conteo Billboard Hot 100, de los cuales «Live to Tell», «Papa Don't Preach» y «Open Your Heart» llegaron al primer puesto, un récord para esa época.
El lanzamiento se promocionó con la segunda gira y la primera mundial de la intérprete, Who's That Girl World Tour, que visitó varias ciudades de Norteamérica, Europa y Asia en 1987. Los sencillos y sus respectivos videos musicales generaron debates entre los grupos sociales y académicos, especialmente la letra de «Papa Don't Preach» sobre el embarazo en los adolescentes y el video de «Open Your Heart», en el que se muestra a un niño entrando a un club nudista. A menudo se cita a True Blue como el álbum que convirtió a Madonna en una verdadera superestrella y que cimentó su reputación como la figura femenina más importante de la industria musical en los años 1980.
Este álbum también le brindó su primera aparición en el Libro Guinness de los récords.
La instrumentación del álbum incluye sonidos de guitarras acústicas, baterías, sintetizadores e instrumentos musicales típicos de Cuba. Las pistas abarcan letras que van desde el amor hasta la libertad, y en el caso de «Papa Don't Preach», problemas sociales como el embarazo adolescente.67 Luego de su lanzamiento, True Blue recibió reseñas generalmente positivas por parte de críticos musicales, quienes lo describieron como lo mejor del dance pop y como un arquetipo para los álbumes publicados a finales de los años 1980 y principios de los de 1990. También elogiaron el hecho de que la voz de Madonna sonara más fuerte que en sus trabajos anteriores, al tiempo que destacaron sus habilidades como compositora, cantante y artista.
Tras su publicación, True Blue se convirtió en un éxito mundial, pues alcanzó el número uno en un récord de 28 países, entre ellos Alemania, Australia, Canadá, España, Estados Unidos, Francia, Italia y Reino Unido. Además, pasó 29 semanas consecutivas en la cima de la lista European Top 100 Albums, más de lo que cualquier otro álbum ha logrado. Se convirtió en el disco más vendido de 1986 y en el más comercializado en la década de 1980 por una mujer, y permanece como uno de los más vendidos en la historia, con ventas que sobrepasan las 25 millones de copias. Los cinco sencillos obtenidos del álbum entraron a las primeras cinco posiciones del conteo Billboard Hot 100, de los cuales «Live to Tell», «Papa Don't Preach» y «Open Your Heart» llegaron al primer puesto, un récord para esa época.
El lanzamiento se promocionó con la segunda gira y la primera mundial de la intérprete, Who's That Girl World Tour, que visitó varias ciudades de Norteamérica, Europa y Asia en 1987. Los sencillos y sus respectivos videos musicales generaron debates entre los grupos sociales y académicos, especialmente la letra de «Papa Don't Preach» sobre el embarazo en los adolescentes y el video de «Open Your Heart», en el que se muestra a un niño entrando a un club nudista. A menudo se cita a True Blue como el álbum que convirtió a Madonna en una verdadera superestrella y que cimentó su reputación como la figura femenina más importante de la industria musical en los años 1980.
Este álbum también le brindó su primera aparición en el Libro Guinness de los récords.
Guns N' Roses
Guns N' Roses es una banda estadounidense de hard rock formada en Hollywood en la zona de Sunset Strip, alrededor de Santa Mónica, en el área metropolitana de Los Ángeles, California en 1985. El grupo fue fundado por el vocalista Axl Rose y el guitarrista Izzy Stradlin.
Es una de las bandas de rock más exitosas de todos los tiempos, habiendo vendido más de ciento cincuenta millones de discos, es considerada ícono global de la música y forma parte del prestigioso Salón de la Fama del Rock and Roll. Asimismo, la banda es uno de los números artísticos con más galardones, legado y repercusión mundial hasta la fecha. También Guns N' Roses es considerada una de las bandas más influyentes de la historia debido a su gran legado musical.
Appetite for Destruction lanzado el 27 de julio de 1987 ha sido el álbum más exitoso de la banda vendiendo más de 35 millones de copias.
Es una de las bandas de rock más exitosas de todos los tiempos, habiendo vendido más de ciento cincuenta millones de discos, es considerada ícono global de la música y forma parte del prestigioso Salón de la Fama del Rock and Roll. Asimismo, la banda es uno de los números artísticos con más galardones, legado y repercusión mundial hasta la fecha. También Guns N' Roses es considerada una de las bandas más influyentes de la historia debido a su gran legado musical.
Appetite for Destruction lanzado el 27 de julio de 1987 ha sido el álbum más exitoso de la banda vendiendo más de 35 millones de copias.
Milli Vanilli
Farian admitió públicamente que Fab Morvan y Rod Pilatus no eran los verdaderos cantantes de Milli Vanilli, sino que prestaban su imagen y hacían sobre canciones interpretadas por otras personas. La reacción en Estados Unidos fue inmediata: además de la decepción de los seguidores y la repercusión internacional, la organización de los Grammy retiró a Milli Vanilli el galardón concedido en febrero.
A los rumores sobre la autoría real de Milli Vanilli se sumó el hecho de que Fab y Rob estaban presionando a Frank Farian para grabar un nuevo álbum con sus propias voces, muy distintas a las del álbum de debut. Farian lo rechazó de plano ya que hubiese supuesto la pérdida del control creativo y no les veía capaces de componer. Con la relación entre ambas partes completamente rota, el creador del proyecto decidió desvelar la verdad en una comparecencia ante la prensa en Nueva York.
El 12 de noviembre de 1990, Farian admitió públicamente que Morvan y Pilatus no eran los verdaderos cantantes de Milli Vanilli, sino que prestaban su imagen y hacían playback sobre canciones interpretadas por otras personas. La reacción en Estados Unidos fue inmediata: además de la decepción de los seguidores y la repercusión internacional, la organización de los Grammy retiró a Milli Vanilli el galardón concedido en febrero. Arista Records eliminó todo su catálogo, haciendo imposible conseguir nuevas copias, y en un primer momento trató de negar su implicación. Sin embargo, tanto Farian como los cantantes dejaron claro que la discográfica lo sabía antes de la firma del contrato. En la rueda de prensa donde devolvieron el Grammy, el dúo trató de culpar a su antiguo productor y Rob Pilatus pidió disculpas a toda la gente que pudo sentirse engañada.
La revelación de Farian supuso el final de Milli Vanilli y condenó a sus dos miembros al ostracismo (destierro). Si bien Fab Morvan no tuvo problemas en adaptarse a la nueva situación, Rob Pilatus sufrió con la pérdida de fama e incluso intentó suicidarse a finales de 1991. Arista Records tuvo que enfrentar hasta 27 procesos judiciales por presunto fraude a seguidores descontentos que querían el reembolso de sus entradas anticipadas y álbumes.
Años después del gran engaño que supuso Milli Vanilli y el descubrimiento de que no eran ellos quienes cantaban, comenzó su decadencia personal a principios de 1995 de Rob, involucrándose en varios actos de agresión, vandalismo callejero, diversos asaltos e intentos de robo. Estuvo condenado a pasar algunos meses en prisión por varios de estos delitos. Al querer robar un vehículo en Hollywood, California, en Estados Unidos, fue herido en la cabeza con un bate de béisbol, por lo cual tuvo que ser hospitalizado de urgencia. Poco después, intentó, aunque sin éxito, rehabilitarse de su adicción a las drogas.
Dos años más tarde, el 3 de abril de 1998, fue encontrado muerto (Rob Pilates) por una sobredosis de pastillas y alcohol en un hotel cerca de Fráncfort (Alemania). Su compañero Fab Morvan volvió al mundo del modelaje y en los 2000 volvió a la música interpretando varios éxitos de la extinta agrupación, rindiendo tributo a su compañero fallecido.
A los rumores sobre la autoría real de Milli Vanilli se sumó el hecho de que Fab y Rob estaban presionando a Frank Farian para grabar un nuevo álbum con sus propias voces, muy distintas a las del álbum de debut. Farian lo rechazó de plano ya que hubiese supuesto la pérdida del control creativo y no les veía capaces de componer. Con la relación entre ambas partes completamente rota, el creador del proyecto decidió desvelar la verdad en una comparecencia ante la prensa en Nueva York.
El 12 de noviembre de 1990, Farian admitió públicamente que Morvan y Pilatus no eran los verdaderos cantantes de Milli Vanilli, sino que prestaban su imagen y hacían playback sobre canciones interpretadas por otras personas. La reacción en Estados Unidos fue inmediata: además de la decepción de los seguidores y la repercusión internacional, la organización de los Grammy retiró a Milli Vanilli el galardón concedido en febrero. Arista Records eliminó todo su catálogo, haciendo imposible conseguir nuevas copias, y en un primer momento trató de negar su implicación. Sin embargo, tanto Farian como los cantantes dejaron claro que la discográfica lo sabía antes de la firma del contrato. En la rueda de prensa donde devolvieron el Grammy, el dúo trató de culpar a su antiguo productor y Rob Pilatus pidió disculpas a toda la gente que pudo sentirse engañada.
La revelación de Farian supuso el final de Milli Vanilli y condenó a sus dos miembros al ostracismo (destierro). Si bien Fab Morvan no tuvo problemas en adaptarse a la nueva situación, Rob Pilatus sufrió con la pérdida de fama e incluso intentó suicidarse a finales de 1991. Arista Records tuvo que enfrentar hasta 27 procesos judiciales por presunto fraude a seguidores descontentos que querían el reembolso de sus entradas anticipadas y álbumes.
Años después del gran engaño que supuso Milli Vanilli y el descubrimiento de que no eran ellos quienes cantaban, comenzó su decadencia personal a principios de 1995 de Rob, involucrándose en varios actos de agresión, vandalismo callejero, diversos asaltos e intentos de robo. Estuvo condenado a pasar algunos meses en prisión por varios de estos delitos. Al querer robar un vehículo en Hollywood, California, en Estados Unidos, fue herido en la cabeza con un bate de béisbol, por lo cual tuvo que ser hospitalizado de urgencia. Poco después, intentó, aunque sin éxito, rehabilitarse de su adicción a las drogas.
Dos años más tarde, el 3 de abril de 1998, fue encontrado muerto (Rob Pilates) por una sobredosis de pastillas y alcohol en un hotel cerca de Fráncfort (Alemania). Su compañero Fab Morvan volvió al mundo del modelaje y en los 2000 volvió a la música interpretando varios éxitos de la extinta agrupación, rindiendo tributo a su compañero fallecido.
2 Unlimited
2 Unlimited es una banda de eurodance originaria de Amberes, Bélgica y formada en 1991. El proyecto es una idea original de los productores belgas Jean-Paul DeCoster y Phil Wilde, y es cantada por un dúo neerlandés, el rapero Ray Slijngaard y la cantante Anita Doth.
Durante cinco años el dúo alcanzó una enorme popularidad en todo el mundo, con 16 éxitos en las listas, incluyendo especialmente "Get Ready for This", "Twilight Zone", "No Limit", "Faces" y "Tribal Dance".
Durante su carrera, han vendido 18 millones de discos en todo el mundo. A pesar de que disfrutaron de una notoriedad menos corriente en los Estados Unidos, muchas de sus canciones se han convertido en temas populares de los eventos deportivos de ese país, en particular la NHL.
El fenómeno tecno/dance/pop 2 Unlimited fue uno de los grupos más populares de Europa durante los comienzos de la década de 1990, vendiendo 18 millones de copias y llegando al número 1 de las listas de cada país europeo (en Reino Unido llegaron 11 veces consecutivas a lo más alto de la tabla). En Estados Unidos, sin embargo, no tuvieron tanta popularidad, llegando solo al lugar 38 a finales de 1994 con Get Ready for This, dos años después de su lanzamiento, sin embargo en las listas dance sí se colocaron en los primeros 5 lugares.
Get Ready for this fue lanzado el 23 de setiembre de 1991.
Durante cinco años el dúo alcanzó una enorme popularidad en todo el mundo, con 16 éxitos en las listas, incluyendo especialmente "Get Ready for This", "Twilight Zone", "No Limit", "Faces" y "Tribal Dance".
Durante su carrera, han vendido 18 millones de discos en todo el mundo. A pesar de que disfrutaron de una notoriedad menos corriente en los Estados Unidos, muchas de sus canciones se han convertido en temas populares de los eventos deportivos de ese país, en particular la NHL.
El fenómeno tecno/dance/pop 2 Unlimited fue uno de los grupos más populares de Europa durante los comienzos de la década de 1990, vendiendo 18 millones de copias y llegando al número 1 de las listas de cada país europeo (en Reino Unido llegaron 11 veces consecutivas a lo más alto de la tabla). En Estados Unidos, sin embargo, no tuvieron tanta popularidad, llegando solo al lugar 38 a finales de 1994 con Get Ready for This, dos años después de su lanzamiento, sin embargo en las listas dance sí se colocaron en los primeros 5 lugares.
Get Ready for this fue lanzado el 23 de setiembre de 1991.
Freddy Mercury
El 24 de noviembre de 1991, Mercury murió a la edad de 45 años. La causa oficial de su muerte fue bronconeumonía complicada por el sida.
Pese a que no era una persona religiosa, su funeral fue dirigido por un sacerdote zoroástrico. Elton John, David Bowie y los miembros de Queen estuvieron presentes. Mercury fue incinerado y sus cenizas reposan en algún lugar aún desconocido.
Se rumorea que fueron esparcidas por Mary Austin a lo largo del lago Lemán de Suiza, donde Mercury vivió sus últimos años y donde se halla su monumento conmemorativo, concretamente en la ciudad de Montreux.
También se dice que reposan a los pies del enorme roble que corona el jardín de su residencia Garden Lodge, en Kensington, y que quedó repartida también entre varios teatros londinenses; ninguna de estas afirmaciones ha podido confirmarse hasta ahora.
Pese a que no era una persona religiosa, su funeral fue dirigido por un sacerdote zoroástrico. Elton John, David Bowie y los miembros de Queen estuvieron presentes. Mercury fue incinerado y sus cenizas reposan en algún lugar aún desconocido.
Se rumorea que fueron esparcidas por Mary Austin a lo largo del lago Lemán de Suiza, donde Mercury vivió sus últimos años y donde se halla su monumento conmemorativo, concretamente en la ciudad de Montreux.
También se dice que reposan a los pies del enorme roble que corona el jardín de su residencia Garden Lodge, en Kensington, y que quedó repartida también entre varios teatros londinenses; ninguna de estas afirmaciones ha podido confirmarse hasta ahora.
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FRASE CELEBRE
«No importa quién seas, qué hayas hecho, de donde provengas, siempre
puedes hacer un cambio siendo una mejor versión de tí mismo»
Madonna
SOMOS CULTURA
“Somos una revista especializada en la historia y la música desde 1950 a 1999, donde encontrarás todo lo que deseas saber de aquellos que marcaron las décadas de oro en la música”
— RETRO MAGAZINE
Referencias:
(Marcas registradas de sus respectivas compañías, de donde se toman algunas referencias)
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